Conversations with photographers

James Casebere habla con Okwui Enwezor
La obra fotográfica de James Casebere (Lansing, Michigan, 1953) explora las inagotables posibilidades visuales del espacio en relación con la arquitectura. Sus imágenes se debaten entre la ambigüedad y la realidad explícita, entre el misterio y la teatralidad representativa de espacios concretos que el artista reinventa por medio del soporte fotográfico. En ese contexto, el manejo de la luz se convierte en uno de los aspectos fundamentales de su trabajo, acentuando la condición etérea de sus atmósferas. Toda la obra de Casebere se caracteriza por una sólida experimentación sobre la noción de la representación y de la idea misma de arquitectura, alejada aquí de su tradicional sentido de funcionalidad, y en donde los espacios, generalmente desiertos, logran erigirse en verdaderas entidades autónomas, humanizadas por la mirada del espectador.

Marina Abramovic habla con Jovana Stokic
Los trabajos más conocidos de Marina Abramovic (Belgrado, 1946) son las performances, los objetos, las vídeoinstalaciones y las acciones registradas para dramatizarse en escenografías de fuerte barroquismo conceptual. El eje de su producción se halla en su propio cuerpo, un territorio para la experimentación y el cambio, soporte de toda su trayectoria artística. En sus inicios, la artista trabajó en solitario, y, tras un breve contacto con las instalaciones sonoras, comenzó a realizar sus primera performances (Rhythm 5, 1974; Rhythm 10, 1975). A partir de 1975, y hasta 1988, Marina Abramovic empezó a trabajar con Ulay. Pocas veces en la historia del arte una relación afectiva entre dos artistas ha dado tantos frutos a nivel creativo. Siguiendo la idea general de la performance, que insta a sentir el mundo a través de la experiencia personal del propio cuerpo, Abramovic trata de indagar en los límites de la resistencia moral y física. Reflexionando sobre los patrones de comportamiento de la mente y el organismo.

Jaume Plensa habla con Doris von Drathen
La obra de Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es bien conocida en el ámbito internacional por su naturaleza poliédrica y su inagotable variedad de registros. En ella, el artista catalán aborda el dibujo, la escultura, el texto y la fotografía en una incesante vocación humanística por alumbrar una nueva forma de expresión (un "organismo", dice el propio Plensa) de orden más complejo. A través de esta hibridación de lo icónico con lo literario, de lo conceptual con lo sensorial, el espectador asiste a una verdadera revelación: la que vincula la práctica artística de este creador no sólo a una parcela particular de la historia del arte, sino a la historia general de la cultura, respondiendo a una necesaria interpelación sobre el hombre y su relación con lo real.

Per Barclay habla con Judicaël Lavrador
El artista noruego Per Barclay (Oslo, 1955) ha definido así su propio proyecto artístico: "Mi trabajo quiere representar la tensión cotidiana, esa especie de ansia que cada uno de nosotros percibe en el contraste entre la belleza y el confort, entre las grandes posibilidades propias de nuestro tiempo y la extrema precariedad de nuestra situación". Sirviéndose del óleo y el agua como elementos pictóricos, y el acero y el cristal como materiales estructurales de sus piezas. Que más tarde registra por medio de la fotografía, el vídeo y la instalación, Barclay consigue envolver al espectador en un atmósfera hipnotizante, de grave tensión dramática, donde, bajo una frágil sensación de calma, vibra otra más fuerte de latente angustia, poniendo de manifiesto que el valor específico del arte no reside en aquello que muestra, sino en la manera en que la acción artística cumple nítidamente son sus objetivos.

Jorge Molder habla con José Augusto Bragança de Miranda
El fotógrafo portugués Jorge Molder (Lisboa, 1947) aborda en su obra uno de los ejes fundamentales de la historia del arte occidental: la cuestión de la identidad. A través del mecanismo de la duplicidad, y tomando sistemáticamente su cuerpo como objeto, Molder rompe con el sentido del autorretrato tradicional y abre un camino nuevo para la experimentación. Su objetivo es conseguir la emoción del espectador y desencadenar nuevas historias a partir de lo observado, valiéndose de un sinfín de referencias al cine, al arte y a la literatura. Sus fotografías formas series articuladas en las que contemplamos al artista real y al inventado, al "yo" y al "otro", a la persona y a su personaje, en un continuo desdoblamiento del sujeto que nos invita a reflexionar acerca de los difusos límites de la visión.

Pierre Gonnord habla con Rafael Doctor
El fotógrafo francés Pierre Gonnord (Cholet, 1963) ha compuesto la mayor parte de su obra a través del retrato de personajes anónimos generalmente identificados con la marginalidad y la exclusión social. Sus retratos constituyen auténticos "cuadros fotográficos" y evidencian la herencia pictórica asimilada por el creador desde los grandes nombres del Renacimiento europeo hasta la práctica artística actual. Explorando la abstracción del ser humano por medio de estos "cuadros retratos", de gran carga psicológica y conceptual, Gonnord continúa su trabajo acercándose a los modelos que le resultan más expresivos o representativos de una minoría humana concreta. Así, célebres son ya sus series fotográficas sobre las geishas, los yahuza o los onnagatas, pero también aquellas otras consagradas a diversos grupos étnicos y comunidades religiosas, en una galería de personajes prácticamente inagotable que aúna los rasgos más definitorios y característicos de la historia del retrato pictórico occidental.